Polecane produkty

Puccini Intimo
pieśni na głos i fortepian 

Agnieszka Adamczak – sopran 
Jakub Czerski – fortepian 

Pieśni Giacoma Pucciniego należą do najmniej znanego obszaru twórczości kompozytora, pozostając w cieniu jego operowych arcydzieł. A jednak to właśnie w liryce wokalnej Puccini odsłania inne, bardziej intymne oblicze – przestrzeń poszukiwań, eksperymentów i przemian stylistycznych, które towarzyszyły mu przez całe życie twórcze.

Program niniejszej płyty ukazuje pieśń jako szczególne laboratorium stylu Pucciniego. Od wczesnych kompozycji, naznaczonych prostotą formy i młodzieńczą ekspresją, przez utwory z okresu studiów mediolańskich, aż po dzieła dojrzałe – coraz silniej związane z dramatyzmem słowa i operowym myśleniem o głosie. W pieśniach tych odnaleźć można zarówno wpływy tradycji włoskiego belcanta, jak i ślady nowoczesnych poszukiwań harmonicznych, które zapowiadają język późniejszych oper.

Choć część utworów powstała jako muzyka okazjonalna lub sakralna, wiele z nich zachwyca bogactwem melodii, wrażliwością na tekst i charakterystyczną dla Pucciniego intensywnością wyrazową. Ich ponowne odkrycie pozwala spojrzeć na kompozytora nie tylko jako mistrza teatru muzycznego, lecz także twórcę subtelnej i poruszającej liryki wokalnej.

Płyta ta jest zaproszeniem do spotkania z Puccinim mniej oczywistym – kameralnym, osobistym i wciąż zaskakująco aktualnym.

Giacomo Puccini – pieśni

1. A te (1875) – sł. autor nieznany
2. Salve Regina (1882) – sł. Antonio Ghislanzoni
3. La Primavera (ok. 1877) – sł. Giacomo Puccini 
4. Ad una morta! (ok. 1882) – sł. Antonio Ghislanzoni
5. Mentìa l’avviso (1883) – sł. Felice Romani
6. Storiella d’amore (1883) – sł. Antonio Ghislanzoni 
7. Sole e amore (1888) – sł. Giacomo Puccini
8. Ave Maria Leopolda (1896) – sł. Giacomo Puccini
9. Avanti Urania! (1896) – sł. Renato Fucini
10. Inno a Diana (1896) – sł. Carlo Abeniacar
11. E l’uccellino (1899) – sł. Renato Fucini
12. Terra e mare (1902) – sł. Enrico Panzacchi
13. Canto d’anime (1904) – sł. Luigi Illica
14. Casa mia, casa mia (1908) – sł. Giacomo Puccini
15. Sogno d’or (1913) – sł. Carlo Marsili
16. Morire? (1917) – sł. Giuseppe Adami
17. Inno a Roma (1919) – sł. Fausto Salvatori

Autor: Henryk Kasperczak

For English, please scroll down.

Historia lutni jest świadectwem niezwykłej pomysłowości człowieka w dążeniu do doskonałości instrumentu muzycznego. Współczesne poszukiwania często pomijają osiągnięcia renesansowych lutników, którzy stworzyli instrument doskonale łączący teorię z praktyką muzyczną. Lutnia renesansowa, do dziś budowana przez mistrzów rzemiosła, nie jest jedynie reliktem przeszłości, lecz wciąż żywym narzędziem muzycznej ekspresji.
Współczesny renesans wykonawstwa historycznego skłania pedagogów do poszukiwania nowych metod nauczania gry na tym wyjątkowym instrumencie. Niniejszy podręcznik powstał jako odpowiedź na potrzeby lutnistów poszukujących nowoczesnego, a zarazem świadomego historycznie podejścia do gry. Stanowi on narzędzie umożliwiające systematyczne rozwijanie techniki gry, niezależnie od poziomu zaawansowania ucznia.
Podręcznik przedstawia kompleksowy proces nauki gry na lutni renesansowej, obejmując zarówno zagadnienia techniczne, jak i interpretacyjne. Materiał został podzielony na rozdziały tematyczne, które stopniowo wprowadzają lutnistę w coraz bardziej zaawansowane aspekty wykonawcze. Wszystkie 521 ćwiczeń zawartych w podręczniku zostało przeze mnie skomponowanych lub starannie wyłuskanych z kompozycji historycznych i dostosowanych do potrzeb poszczególnych rozdziałów, aby zapewnić jak najlepsze przygotowanie techniczne i muzyczne. Znajdują się tu przede wszystkim wprawki techniczne, natomiast bardziej złożone formy muzyczne, takie jak preludia i fantazje, zostaną wydane w kolejnym tomie. Będą to wyłącznie moje kompozycje, które mają na celu inspirowanie oraz pokazanie, że współczesny lutnista jest nie tylko odtwórcą kompozycji historycznych, ale również ich twórcą.

Henryk Kasperczak, Wstęp, fragm.

Cena katalogowa 139 zł
Cena sprzedaży 129 zł

Title: Method of Lute Playing. Renaissance Lute
Author: Henryk Kasperczak

The history of the lute is a testament to remarkable human ingenuity in the pursuit of perfection of the musical instrument. Contemporary research often overlook the achievements of Renaissance luthiers, who created an instrument that seamlessly combines theory with musical practice. The Renaissance lute, still crafted today by master artisans, is not merely a relic of the past but a living tool of musical expression.
The current revival of historical performance practices has prompted educators to seek new methods for teaching this exceptional instrument. This textbook was created in response to the needs of lutenists searching for a modern yet historically informed approach to playing. It serves as a tool for systematically developing playing technique, regardless of the student’s skill level.
The textbook presents a comprehensive process of learning to play the Renaissance lute, covering both technical and interpretative aspects. The material is divided into thematic chapters that gradually introduce the lutenist to increasingly advanced performance aspects. All 521 exercises included in the textbook were either composed by me or carefully extracted from historical compositions and adapted to the needs of each chapter to provide the best technical and musical preparation. The book primarily features technical exercises, while more complex musical forms, such as preludes and fantasies, will be published in the next volume. These will consist solely of my compositions, aiming to inspire and demonstrate that the modern lutenist is not only an interpreter of historical compositions but also their creator.

Henryk Kasperczak, Introduction, excerpt

List price 139 PLN
Selling price 129 PLN

Poznań 2026

Zapraszamy do zapoznania się z najnowszą płytą klawesynistki Marii Banaszkiewicz-Bryły

„[...] księga utworów klawesynowych Josepha-Hectora Fiocca to niezwykle oryginalne dzieło, które wchodzi w twórczy dialog ze współczesną autorowi twórczością Couperina, Dandrieu i Rameau. Szczególną uwagę zwracają bardzo liczne odniesienia do Pierwszej Księgi Dandrieu. Fakt, że stylistyka francuska była bardziej zuniformizowana niż stylistyka włoska, sprawił wprawdzie, że wielu francuskich kompozytorów eksplorowało te same gatunki, obrazy i toposy; niemniej jednak w przypadku księgi Fiocca jesteśmy w stanie stosunkowo łatwo uchwycić bezpośrednie źródła inspiracji kompozytora. W żaden sposób nie ujmują one jego muzyce świeżości i oryginalności; stanowią jedynie dowód jego głębokiej zażyłości ze współczesną mu francuską kulturą muzyczną i znajomości współczesnej literatury klawesynowej. Zapewne nigdy nie poznamy przyczyny szczególnej roli odniesień do Premier Livre Dandrieu w dziele Fiocca. Odpowiedź przyniosłaby może znajomość dalszych klawesynowych utworów tego ostatniego. Na podstawie przytoczonej wzmianki w krótkiej przedmowie można bowiem przypuszczać, że znana jest jedynie pewna, chyba mniejsza część twórczości klawesynowej mistrza z Brukseli, a niewydane, istniejące jedynie w rękopisach utwory nie zachowały się do naszych czasów. To wielka szkoda, zważywszy na znakomity poziom muzyki Josepha-Hectora, który niesłusznie pozostaje w cieniu wielu francuskich kompozytorów, często niedorównujących mu talentem".

Marek Toporowski
(fragment tekstu pochodzący z książeczki dołączonej do CD)

Nagrania dostępne są również do odsłuchu na 32 portalach streamingowych (m.in. Spotify, Amazon Music, iTunes, Deezer).
Posłuchaj nagrania: https://open.spotify.com/album/3Ew8s4y7GD4QnwaAceo9Mn?si=As5HTw-oQrSkWdBiVdw3sQ

Utwory zarejestrowane na CD pokazują różnorodność form organowej muzyki religijnej i świeckiej twórców niemieckiego kręgu kulturowego przełomu wieków XVII i XVIII. Na płycie znalazły się:

1. Georg Muffat (1653-1704) – Toccata nona (Apparatus musico-organisticus)
2. Dietrich Buxtehude (1637-1707) – Toccata in d BuxWV 155
3. Johann Pachelbel (1653-1706) – Partita chorałowa Was Gott tut, das ist wohlgetan
4. Johann Pachelbel – Ciacona in f
5. Johann Kaspar Kerll (1627-1693) – Capriccio sopra il cucu
6. Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Komm, Gott Schöpfer, heiliger Geist BWV 667
7. Johann Sebastian Bach – Der Tag, der ist so freudenreich BWV 605
8. Johann Sebastian Bach – Liebster Jesu, wir sind hier BWV 731
9. Johann Sebastian Bach – Fantazja i fuga c-moll BWV 537
10. Johann Sebastian Bach – Pièce d’orgue BWV 572 (Très vitement – Gravement – Lentement)

Wykonawcą jest Sławomir Kamiński – absolwent klasy organów prof. Romualda Sroczyńskiego w Akademii Muzycznej im. Ignacego Jana Paderewskiego w Poznaniu (dyplom z wyróżnieniem, 1987).
Koncertuje jako solista i kameralista w kraju i za granicą (Austria, Belgia, Chorwacja, Czechy, Finlandia, Francja, Holandia, Litwa, Niemcy, Słowacja, Szwajcaria, Ukraina, Węgry, Wielka Brytania, Włochy, Wyspy Alandzkie). Występował m.in. w salach koncertowych Filharmonii Poznańskiej, Narodowego Forum Muzyki we Wrocławiu, Filharmonii w Charkowie, Sali Smetany w Pradze, Schauspielhaus w Berlinie, w katedrze w Lincoln, bazylikach: św. Witalisa w Rawennie, Macieja w Budapeszcie i św. Piotra in Montorio w Rzymie. Współpracował z Orkiestrą Filharmonii Poznańskiej, Poznańskim Chórem Chłopięcym pod dyrekcją Jerzego Kurczewskiego oraz Chórem Chłopięcym i Męskim Filharmonii Poznańskiej „Poznańskie Słowiki” Stefana Stuligrosza. W dorobku artysty znajdują się liczne nagrania CD w charakterze solisty i kameralisty. Album Feliks Nowowiejski – Quo Vadis na chór, orkiestrę symfoniczną, solistów i organy z udziałem Orkiestry Filharmonii Poznańskiej, pod dyrekcją Łukasza Borowicza otrzymał prestiżową nagrodę ICMA 2018 oraz był nominowany do nagrody Fryderyk 2018.
Sławomir Kamiński zajmuje się również działalnością pedagogiczną – jest profesorem klasy organów w Akademii Muzycznej im I.J. Paderewskiego w Poznaniu – uczelni, w której od roku 2020 pełni funkcję prorektora ds. artystycznych, naukowych i kontaktów międzynarodowych.

Instrument: Organy firmy Grönlunds Orgelbyggeri z Gammelstad w Auli Stefana Stuligrosza Akademii Muzycznej im. Ignacego Jana Paderewskiego w Poznaniu

Nagrania dokonano w Auli im. Stefana Stuligrosza Akademii Muzycznej im. Ignacego Jana Paderewskiego w Poznaniu w dniach 14-16 kwietnia 2025 roku.

Reżyseria nagrania, montaż i mastering: Jakub Garbacz, Jędrzej Luciński

Projekt graficzny i przygotowanie do druku: Marcin Salwin

Redakcja i korekta tekstów: Małgorzata Pawłowska

Tłumaczenie: Katarzyna Piotrowska

Fotografie: Bartosz Seifert, Jakub Garbacz

© 2025 Akademia Muzyczna im. Ignacego Jana Paderewskiego w Poznaniu
© 2025 Ars Sonora Studio

AM 1-23
Numer katalogowy ARSO-CD 270

Zapraszamy do zapoznania się z 12 tomem z serii „Z problemów edukacji muzycznej”, która wydawana jest od 2015 dzięki inicjatywie Katedry Edukacji Muzycznej naszej uczelni.

Książka powstała pod redakcją Natalii Kłysz-Sokalskiej, a tematem wiodącym jest rytm jako kategoria edukacyjna, poznawcza i społeczna. Tom ukazuje różnorodność współczesnych ujęć rytmu w edukacji i praktyce muzycznej. Część pierwsza, Teoretyczne i praktyczne ujęcia rytmu w edukacji muzycznej, obejmuje zarówno refleksję teoretyczną, jak i rozwiązania dydaktyczne. Francisco Javier Romero-Naranjo prezentuje założenia metody BAPNE, podkreślając powiązania ruchu, rytmu i procesów poznawczych. Izabela Zalewska omawia znaczenie ćwiczeń rytmicznych w dziecięcym śpiewie chóralnym, a Bartłomiej Karwański analizuje kształtowanie wspólnego pulsu w zajęciach grupowych Systemu Edukacji Muzycznej YAMAHA. Izabela Dziczek zwraca uwagę na trudności uczniów w realizacji rytmów nieregularnych w edukacji powszechnej, natomiast Aleksandra Leśnicka ukazuje rolę rytmu w rozwoju spontanicznej ekspresji muzycznej i ruchowej dziecka.

Druga część, Studenckie refleksje o edukacji muzycznej: badania, praktyka, inspiracje, prezentuje spojrzenia młodych badaczy i praktyków. Justyna Kniaź analizuje zależność między inteligencją emocjonalną a efektywnością pracy chóru, Agata Wojciechowska podejmuje temat interdyscyplinarnego ujęcia dzieła muzycznego w szkole, a Julia Osmańska wskazuje znaczenie multiinstrumentalizmu w pracy nauczyciela muzyki. Zespół autorów: Hanna Wawrzyniak, Franciszek Chlebanowski, Anna Felska i Dominika Ostapczuk przedstawia autorski projekt edukacyjny ukazujący proces twórczy od koncepcji do realizacji.

Tom zamyka kronika wydarzeń Katedry Edukacji Muzycznej z roku 2025, dokumentująca jej działalność naukową i artystyczną.

Serdecznie zapraszamy do zakupu!

Recenzja
dr Katarzyna Forecka-Waśko

Redakcja merytoryczna
Natalia Kłysz-Sokalska

Redakcja stylistyczno-językowa
Agata Górzyńska-Kielak

Korekta, opieka wydawnicza
Małgorzata Pawłowska

Projekt okładki, projekt typograficzny wnętrza i łamanie
Mateusz Czekała • czekala.net.pl

Poznań 2025 

W skład publikacji wchodzą głos skrzypcowy oraz partia organów.

Wydawcy:
Towarzystwo im. Feliksa Nowowiejskiego
Akademia Muzyczna im. I.J. Paderewskiego

Redakcja naukowa:
Waldemar Gawiejnowicz

Z komentarza redakcyjnego:

Obecne wydanie opiera się na następujących założeniach:
1. Podstawę edycji stanowi rękopis1 (autograf kompozytora) znajdujący się w Dziale Zbiorów Specjalnych Biblioteki Raczyńskich w Poznaniu, w tzw. „Depozycie Nowowiejskiego” (sygnatura DN 159).
2. Porównanie rękopisu z mikrofilmem Biblioteki Narodowej w Warszawie (nr 6761, wykonany 3 VI 1953) pozwoliło ustalić, że od czasu zmikrofilmowania autograf nie uległ zmianom polegającym na ingerencji w jego treść z wyjątkiem dopisku tytułu w języku polskim) i przedstawia wiarygodny przekaz utworu według stanu z 1953 roku.
3. Jako źródło pomocnicze wykorzystano fragmentarycznie (oznakowaną również sygnaturą DN 159) niekompletną fotokopię odpisu autografu
(nieznanego kopisty) z wcześniejszą wersją utworu. Ze względu na zmiany wprowadzone na fotokopii po jej wykonaniu, przekaz ten potraktowano z należytą ostrożnością.
4. Zdecydowano o nadaniu polskojęzycznego tytułu utworu.
5. Zachowano przypomnienia znaków akcydentalnych (z wyjątkiem nut legowanych) oraz aplikaturę.
6. Ujednolicono pisownię manuałów w partii organów.
7. Uzupełnienia i korekty redakcyjne omówiono w komentarzu rewizyjnym i zaznaczono w tekście – ujmując w nawiasy kwadratowe tam, gdzie było to możliwe. Łuki dodane w edycji odwzorowano linią przerywaną. Kreski taktowe z oryginału (w partii organów przecinające trzy systemy) dostosowano do współczesnej notacji.

Przedstawiamy zbiór Utworów na fortepian autorstwa Moniki Kędziory. 12 zróżnicowanych kompozycji inspirowanych światem przyrody, zjawiskami atmosferycznymi i astronomicznymi.

Tytuły:

Nubes Labuntur I
Nubes Labuntur II
Nubes Labuntur III
El Lagarto gigante
Agaraw
Caligo I
Caligo II
Caligo III
Iaspis
Amethistus
Perygeum
Via lactea

Redakcja:

Maria Koszewska-Wajdzik (Nubes labuntur), Jaime Peñate Conde (El Lagarto gigante, Agaraw), Gabriela Szendzielorz-Jungiewicz (Caligo), Maria Rutkowska (Iaspis, Amethistus), Tomasz Sośniak (Perygeum, Via lactea)

Publikacja Spotkanie z emocjami – piosenki dla dzieci stanowi uzupełnienie refleksji zawartej w monografii Emocje, język, muzyka. Stymulowanie wyrażania emocji przez dzieci (Wydawnictwo Akademii Muzycznej im. Ignacego Jana Paderewskiego w Poznaniu, 2022). 

Spotkanie z emocjami – piosenki dla dzieci to propozycja nie tylko dla nauczycieli i rodziców poszukujących innowacyjnych rozwiązań w zakresie wspierania rozwoju emocjonalnego dzieci, ale również dla tych, którym bliskie jest dbanie o dziecięcy rozwój muzyczny i estetyczny. Piosenki, dostosowane do możliwości wykonawczych uczniów edukacji wczesnoszkolnej, są różnorodne muzycznie – melodycznie, rytmicznie, harmonicznie, co wpływa na rozwój kompetencji muzycznych dzieci i poszerza ich zakres doświadczeń artystycznych. Każda z piosenek została opatrzona akompaniamentem fortepianowym, który współgra z charakterem utworu i wzmacnia jego wydźwięk emocjonalny.

Publikacji towarzyszą nagrania piosenek w wersji fortepianowej oraz fortepianowej z fletem.

Tytuły:

Emocjonalny ja
Zamaluję strachy
Jesienne smutki chmur
Najmilsze chwile
Tyle pytań w mojej głowie
Na nie
Dumny nie jak paw
Uśmiechnij się

„Tadeusz Szeligowski (1896-1963) napisał w okresie międzywojennym piętnaście utworów reprezentujących nurt muzyki religijnej. Pierwsze kompozycje powstały we Francji podczas studiów muzycznych w Paryżu. […] Podczas studiów we Lwowie, następnie w Krakowie, a także po ich zakończeniu kompozytor współpracował z wieloma chórami – zawodowymi, amatorskimi, mieszanymi oraz żeńskimi, zespołami o dużych tradycjach, jak i działającymi krótko. Praca z chórami wpłynęła bardzo wyraźnie na kształt utworów religijnych – we wszystkich widać dużą dbałość o wykonawcę, myślenie o możliwościach technicznych, wykonawczych zespołu”.

Jednym z muzycznych owoców, zainspirowanych ową współpracą jest Msza łacińska na chór mieszany i organy, którą oddajemy w Państwa ręce dzięki staraniom zespołu, którego trzon tworzy komitet redakcyjny: Joanna Glensk, Monika Kędziora, Ewa Rzanna-Szczepaniak, Małgorzata Pawłowska oraz odpowiadający za opracowanie edytorskie nut Andrzej Bielerzewski. 

W komentarzu autorstwa Ewy Rzanny-Szczepaniak czytamy dalej: „Msza łacińska na chór mieszany i organy pochodzi z poznańskiego okresu działalności Szeligowskiego, powstała w roku 1932. Utwór stanowi przykład świadomego wyboru środków muzycznej wypowiedzi do realizacji głównych założeń kompozycji – dzięki temu tradycyjny materiał dźwiękowy utrzymany w systemie dur-moll, ujmowany w trakcie przebiegu utworu w oryginalne reguły konstrukcyjne, nabiera nowego znaczenia wyrazowego”.

Zawarty w publikacji komentarz do utworu występuje w dwóch językach: polskim i angielskim.

Publikacja dofinansowana ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego, w ramach programu „Muzyczny ślad”, realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca. Nazwa zadania – Tadeusz Szeligowski. Msza łacińska na chór mieszany z towarzyszeniem organów.

Redakcja merytoryczna: Małgorzata Pawłowska

Tytuł „De cultura commentarii” stanowi oczywiste nawiązanie do „De musica commentarii” – serii tak zatytułowanych książek z lat 2008-2014, publikowanych przez Wydawnictwo poznańskiej Akademii Muzycznej, a następnie czasopisma Wydziału I – Kompozycji, Dyrygentury, Teorii Muzyki i Rytmiki, wydawanego w latach 2015-2019 w tej uczelni. W zamyśle kolegium redaktorów owe publikacje miały prezentować efekty tego, co stanowiło centrum zainteresowań badawczych pracowników naukowo-dydaktycznych głównie Wydziału I.

Analogiczny cel przyświeca redaktorce niniejszej książki. Tym razem jednak zakres prezentowanych treści znacząco wykracza poza samą sztukę muzyczną, co szczególnie widoczne jest w ostatniej części publikacji.

Zawarte w książce teksty są zatem autorstwa pedagogów reprezentujących wiele specjalności (pianistów Bogusława Nowickiego, Bogusława Rottermunda i Marii Rutkowskiej, klawesynistki i pianistki Joanny Balewskiej, harfistki Pauliny Maciaszczyk, pianistki jazzowej i kompozytorki Katarzyny Stroińskiej-Sierant, kompozytora Michała Janochy, kulturoznawczyni i polonistki Małgorzaty Okupnik, dyrygentki chóralnej i edukatorki muzycznej Agnieszki Chwastek), słuchaczy i absolwentów szkół doktorskich funkcjonujących w uczelni (kompozytorki Katarzyny Danel, teoretyka muzyki Krzysztofa Bździela, pianistów Jaime Peñate Conde, Julii Wizjan i Nikodema Wojciechowskiego, waltornisty i prawnika Tomasza Kubonia), absolwenta Akademii, a obecnie doktoranta Uniwersytetu im. Adama Mickiewicza, kompozytora i muzykologa Jerzego Fryderyka Wojciechowskiego oraz odbywającej w Poznaniu staż pedagogiczny w ramach programu Erasmus+ akordeonistki Adele Pirozzolo.

Układ i podział treści w „De cultura commentarii” zrodziły się zatem z refleksji nad wieloma zróżnicowanych problemami podniesionymi w tekstach przez ich Autorów. Jak wspomniano, szczególnie część trzecia – zawierająca artykuły niezwiązane z muzyką, mówiące o innych sztukach oraz historii – stanowi przykład różnorodnych, nierzadko pozamuzycznych właśnie zainteresowań członków społeczności akademickiej.

Spis treści dostępny po kliknięciu w zdjęcie okładki.

Poznań 2023

Redakcja merytoryczna: Natalia Kłysz-Sokalska

Właśnie światło dzienne ujrzała najnowsza publikacja Wydawnictwa poznańskiej Akademii Muzycznej: „Kulturowe konteksty edukacji artystycznej” pod redakcją Natalii Kłysz-Sokalskiej!

We wstępie czytamy: „to zbiór interdyscyplinarnych i wielopłaszczyznowych rozważań na temat związków kultury, sztuki i edukacji. Jest to swego rodzaju dialog łączący środowiska pedagogów, teoretyków muzyki, artystów, dyrygentów, psychologów i terapeutów. Monografia stanowi próbę podjęcia dyskusji na tematy niezwykle aktualne i zarazem uniwersalne – miejsca edukacji artystycznej w kulturze oraz kultury w edukacji artystycznej. Autorzy odwołują się do muzycznego i plastycznego aspektu uwarunkowań kulturowych społeczeństw, międzykulturowości, inkluzji społecznej, przemian społeczno-kulturowych, profilaktyki i terapii. W rozdziałach rozbrzmiewa założenie, że zarówno w przeszłości, jak i teraźniejszości oraz przyszłości należy zwracać uwagę na procesy zachodzące w obszarze szeroko pojętej edukacji artystycznej i kultury. Zagadnienia związków kultury i edukacji wzajemnie się przenikają i uzupełniają, najważniejsze jest jednak to, że ich uczestnicy stoją na straży świadomości kulturowej młodego pokolenia. Dbają o zachowanie tradycji i sztuki, jednocześnie wprowadzając w świat wartości obecny w tekstach kultury polskiego, europejskiego i światowego dziedzictwa, nie negując tego, co nowe i jeszcze niepoznane”.

Książka zawiera teksty następujących autorów: Magdaleny Andrys, Agnieszki Chwastek, Michaliny Kasprzak, Anny Kluczyńskiej, Nikodema Kluczyńskiego, Natalii Kłysz-Sokalskiej, Alicji Molitorys, Magdy Morus-Fijałkowskiej, Damiana Myślińskiego, Małgorzaty Okupnik, Anny Marii Tabaczyńskiej, Aleksandry Wojtaszek, Julii Wolskiej i Izabeli Zalewskiej.

Poznań 2023

Polecamy Państwa uwadze dwupłytowy album Muzyka polska – Chopin, Paderewski, Szymanowski w wykonaniu pianistki Joanny Marcinkowskiej. W obszernym tekście zawartym w książeczce towarzyszącej płytom artystka pisze:

„Niniejszy dwupłytowy album zawiera wybrane utwory fortepianowe trzech wielkich polskich twórców: Fryderyka Chopina, Ignacego Jana Paderewskiego i Karola Szymanowskiego. Fryderyk Chopin (1810-1849) to bezsprzecznie największy polski kompozytor i jeden z największych geniuszy w historii muzyki. Ignacy Jan Paderewski (1860-1941) to postać wyjątkowa w polskiej historii życia muzycznego, politycznego i społecznego. Karol Szymanowski (1882-1937) to najwybitniejszy obok Witolda Lutosławskiego polski kompozytor XX wieku i jeden z największych w świecie twórców muzycznych tegoż stulecia, w którego twórczości ogniskowały się najlepsze wzorce muzyki ekspresjonistycznej, postromantycznej i modernistycznej.

Tych trzech Wielkich Polaków zarówno w ich życiu, jak i twórczości wyróżniała, a zarazem łączyła wspólna cecha – polskość. Legła ona także u podstaw mojego zamysłu, aby interpretacje wybranych utworów fortepianowych tych twórców przedstawić w niniejszej publikacji płytowej”.

Repertuar zawarty na płytach obejmuje następujące kompozycje:

CD 1

Fryderyk Chopin

Nokturn Des-dur op. 27 nr 2

Nokturn H-dur op. 62 nr 1

Walc As-dur op. 34 nr 1

Walc Es-dur op. 18

Walc As-dur op. 42

Mazurki op. 24:

Mazurek g-moll nr 1

Mazurek C-dur nr 2

Mazurek As-dur nr 3

Mazurek b-moll nr 4

Scherzo b-moll op. 31

Andante spianato i Wielki Polonez Es-dur op. 22

CD 2

Ignacy Jan Paderewski

Legenda As-dur op. 16 nr 1

Menuet G-dur op. 14 nr 1

Pieśni wędrowca op. 8:

Allegro agitato g-moll

Andantino melancolico a-moll

Andantino grazioso e moderno H-dur

Andantino mistico h-moll

Allegro giocoso A-dur

Karol Szymanowski

Wariacje b-moll op. 3

Mazurki op. 50:

nr 1 Sostenuto. Molto rubato

nr 2 Allegramente. Poco vivace

nr 3 Moderato

nr 4 Allegramente, risoluto

Fantazja C-dur op. 14

English version of the booklet available HERE

Serdecznie zapraszamy do zakupu!